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Archives de Catégorie: FILMS HISTORIQUES, HISTOIRES VRAIES ET BIOPICS

« JOY » (2015)

Trois ans après « HAPPINESS THERAPY », David O. Russell retrouve Jennifer Lawrence, Bradley Cooper et Robert De Niro pour « JOY », un film manifestement très personnel, basé sur des faits réels.joy

C’est une fable au ton décalé et doucement excentrique sur une petite fille dans les années 80, rêveuse et créative, qui en grandissant va être tirée vers le bas par une famille dysfonctionnelle, une belle brochette de « losers » jaloux et avaricieux, qui va transformer ses rêves en cauchemar. Que raconte « JOY » en fait ? Que le talent et l’ambition ne suffisent pas dans ce bas-monde ? Que pour réussir dans la vie, il faut aussi (surtout ?) acquérir des réflexes de « killer » ? Sans rien asséner, sans lourdeur, le film donne matière à réflexion, fonctionne sur la frustration de voir son attachante héroïne échouer sans arrêt, se fracasser systématiquement sur une réalité âpre et cruelle et sur l’indécrottable médiocrité de son entourage.

C’est globalement assez déprimant, même si Joy finit tout de même par comprendre la leçon. Mais le film est porté par la jolie prestation de Jennifer Lawrence, au jeu intériorisé et à fleur de peau. De Niro est formidable dans le rôle de son père, minable individu grenouilleur et pleutre. Autour d’eux : Isabella Rossellini, qu’on est tout surpris de retrouver largement sexagénaire, parfaite en riche veuve dépourvue de charité, Virginia Madsen tout aussi méconnaissable en mère asociale, passant ses journées devant un « soap » diffusé en boucle à la télé, Diane Ladd en grand-mère à la foi inébranlable et Bradley Cooper en producteur de télé-achat se prenant pour Darryl Zanuck.

« JOY » est une œuvre bizarre, quasiment impossible à placer dans une case, ce qui dans le cinéma U.S. actuel est plutôt une bonne chose. On peut mettre un certain temps à pénétrer cet univers particulier, mais le jeu en vaut la chandelle.

 

« MAISON DE POUPÉE » (1973)

dollÉtrangement, la pièce norvégienne d’Henrik Ibsen, « MAISON DE POUPÉE » fut adaptée deux fois la même année. Les deux castings étaient également intéressants (Claire Bloom et Anthony Hopkins, pour l’autre), mais le film réalisé sur place par Joseph Losey est le plus satisfaisant.

Les origines théâtrales du scénario de David Mercer (« PROVIDENCE ») sautent immédiatement aux yeux : hormis le prologue, c’est une unité de temps et de lieu. Un soir de Noël à la fin du 19ème siècle, où l’épouse d’un sévère banquier, va voir son avenir dépendre de la lettre d’un maître-chanteur, mais va surtout découvrir sa véritable place dans la société : celle d’une « possession », une jolie poupée infantilisée par son époux qui lui a donné à elle aussi des poupées (ses enfants) pour l’occuper.

Le jeu exubérant et fébrile de Jane Fonda traduit à merveille la rapide métamorphose de ‘Nora’, de la femme-enfant virevoltante à la (presque) militante féministe qu’elle deviendra à la fin, confrontée à la lâcheté et à la mesquinerie de ce mari vénéré. Face à elle, David Warner est parfait dans ce personnage rigide, odieux et intolérant, dépourvu du moindre charme. Delphine Seyrig est lumineuse dans le rôle de l’ancienne amie lucide et courageuse et Edward Fox remarquable en maître-chanteur aigri par le rejet de la femme qu’il aimait. Trevor Howard fait également une belle composition discrète en médecin gravement malade, amoureux transi de Nora.

Losey filme de manière purement illustrative, abuse un peu du zoom, mais donne tout l’espace aux thèmes d’Ibsen de se développer progressivement. D’abord ennuyeux et monotone, le film accroche l’intérêt sans qu’on ne s’en rend vraiment compte et finit par passionner, comme un suspense psychologique aux enjeux apparemment si banals, mais en réalité si vertigineux. La photo de Gerry Fisher tout en nuances de bleus, met bien en valeur l’ambiance enneigée des extérieurs.

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JANE FONDA, EDWARD FOX ET DELPHINE SEYRIG

Sans faire partie des œuvres majeures de Losey, « MAISON DE POUPÉE » est un joli film en demi-teintes et offre à Jane Fonda un de ses meilleurs rôles.

 

« MICHAEL COLLINS » (1996)

collinsBiopic hagiographique sur le leader révolutionnaire irlandais qui mena dans les années 1910 et ‘20 la lutte armée contre l’Angleterre et négocia la création d’un traité pour un état indépendant, « MICHAEL COLLINS » est bâti sur le même schéma que « VIVA ZAPATA ! » d’Elia Kazan.

Auteur et réalisateur, Neil Jordan entretient l’intérêt du spectateur néophyte en maintenant un rythme soutenu, en alignant les séquences courtes, jamais trop bavardes et évite le côté téléfilm grâce à une photo bleutée et très stylisée de Chris Menges. C’est un beau spectacle, ambitieux et plein de bruit et de fureur, même s’il manque parfois un peu d’âme et cède à une simplification quasi-hollywoodienne. De plus, « MICHAEL COLLINS » est plombé par un gros vice-de-forme : le personnage de Julia Roberts, artificiellement plaqué sur l’action principale, très mal distribuée qui plus est. La sous-intrigue à la « JULES ET JIM » ne s’intègre jamais au mouvement général et l’actrice – aussi peu enthousiasmante que d’habitude – semble être la star incongrue d’un film dans le film. Ça sent le gros compromis avec le studio pour avoir une star féminine au générique !

Heureusement, Liam Neeson occupe l’espace de sa haute stature. Un peu âgé à 44 ans pour jouer ce guerrier impétueux mort à 31 ans seulement, il parvient tout de même à donner à Collins une dimension légendaire et terre-à-terre à la fois. Il est très bien entouré par Alan Rickman en chef révolutionnaire planche-pourrie, Aidan Quinn en frère d’armes et par une magnifique brochette de seconds rôles comme Charles Dance en superflic implacable, Stephen Rea, Brendan Gleeson ou Ian Hart.

Une intéressante leçon d’Histoire, très léchée esthétiquement, aux beaux morceaux de bravoure à laquelle manque juste une petite étincelle de génie, ou tout du moins de folie pour convaincre à 100%.

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STEPHEN REA, LIAM NEESON ET ALAN RICKMAN

 

« MADAME MINIVER » (1942)

Grand classique du cinéma hollywoodien de l’âge d’or, réalisé par le vénérable William Wyler en pleine seconde guerre mondiale, « MADAME MINIVER » opte pour une vision intimiste de la WW2 dont on suit les premiers mois à travers les yeux de Greer Garson, une mère de famille londonienne frivole et coquette obsédée par les chapeaux.miniver

C’est, à vrai dire, la seule et unique originalité de ce très long film conventionnel et empesé, tourné en studio et alignant les personnages unidimensionnels. Bien sûr, c’est produit et filmé avec un clacissisme sans la moindre faille, mais cela tourne rapidement à l’imagerie d’Épinal sans la moindre étincelle de vie ou d’humour. Le casting lui aussi, manque cruellement de relief, à commencer par Garson, comédienne appliquée et routinière, Walter Pidgeon complètement transparent en pater familias débonnaire ou la toujours très agaçante Teresa Wright avec son sempiternel jeu de sourcils.

Avec un peu d’indulgence, on pourra reconnaître que certaines scènes sont bien conçues, comme ce bombardement vécu depuis le sous-sol de la maison familiale et qu’on a l’impression d’avoir vu grâce à la bande-son et aux effets spéciaux. Le face-à-face tendu entre Mrs. Miniver et un Allemand blessé, fonctionne bien également. Et on pourra éventuellement trouver sympathique la sous-intrigue du concours floral où la savoureuse May Whitty s’en donne à cœur-joie en vieille lady ronchonne cachant un cœur d’or. À noter que l’idée sera recyclée bien des années plus tard dans la série TV « DOWNTON ABBEY ».

« MADAME MINIVER » est donc à réserver exclusivement aux amateurs des fastes du vieil Hollywood, des mélodrames familiaux. Seul le parti-pris adopté et respecté du début à la fin, de ne jamais quitter le point-de-vue de l’héroïne demeure original. Quant à savoir si c’est « le plus grand film jamais réalisé », comme le clame l’affiche, chacun se fera son opinion !

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GREER GARSON ET WALTER PIDGEON

 

« LES AVENTURIERS DE L’ARCHE PERDUE » (1981)

raiders2Conçu comme un hommage aux vieux serials d’aventures des années 40, mais bénéficiant de moyens qu’ils n’avaient jamais eus, « LES AVENTURIERS DE L’ARCHE PERDUE » a, en son temps, ressuscité un cinéma d’aventures de pure distraction, sans céder à la nostalgie.

Écrit par l’excellent Lawrence Kasdan, réalisé par Steven Spielberg entre l’échec de « 1941 » et le triomphe de « E.T. », le film a très bien passé le cap des années et se laisse regarder aujourd’hui avec autant de plaisir qu’à sa sortie.

Le scénario empreint de mysticisme et d’ironie, pivote autour d’une formidable figure de héros qui, à bien y regarder, doit beaucoup à Superman. Indiana Jones est à la fois un « geek » binoclard et un baroudeur increvable maniant fouet et revolver. C’est pour un Harrison Ford de 39 ans, l’occasion de trouver le rôle de sa vie, son jeu très au premier degré et fait de mimiques cocasses, épousant idéalement les contours de ce personnage échappé d’une BD. Son chapeau, son blouson de cuir font partie de l’Histoire du cinéma populaire. Spielberg s’en donne à cœur-joie, multipliant les plans « à effet », les poursuites dantesques, les explosions, jetant ses héros au milieu des mygales et des serpents venimeux. C’est très enfantin et joyeux, même si parfois assez violent, voire sanglant (le soldat déchiqueté par une hélice). Mais les petits gags visuels font mouche (le sabreur arabe descendu froidement par Indy, le cintre pliant, le singe faisant le salut nazi) et la BO ininterrompue de John Williams, soutenue par les images somptueuses de Douglas Slocombe, s’imposent comme les véritables vedettes du film. Autour de Ford, de bons comédiens, dont la délicieuse Karen Allen en dure-à-cuire sexy à la bonne descente et au poing leste.

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HARRISON FORD ET KAREN ALLEN

À voir et revoir comme on relit une bande-dessinée qu’on connaît déjà par-cœur. Du cinéma de pur « entertainment » remarquablement confectionné et qui n’a pas pris une ride.

À noter pour la petite histoire : si irremplaçable dans le rôle d’Indiana Jones, Ford n’a fait que remplacer au pied-levé Tom Selleck pour qui le personnage avait été originellement écrit. Autre changement de casting : Wolf Kahler qui prit la place de Klaus Kinski dans le rôle du colonel nazi.

 

« 300 » (2006)

300Inspiré d’un « graphic novel » de Frank Miller et réutilisant plus ou moins les mêmes méthodes de tournage que « SIN CITY » (coréalisé par le même Miller) sorti l’année précédente, « 300 » est fortement inspiré par le « GLADIATOR » de Ridley Scott (la sauvagerie des batailles, la BO et… les champs de blé). Si on met un moment à s’acclimater à un visuel proche des jeux vidéo, on finit par se laisser happer par l’énergie indéniable de cet univers totalement factice et par l’excellente utilisation des CGI.

Remarqué en 2004 par le formidable « L’ARMÉE DES MORTS », Zack Snyder ne déçoit pas avec « 300 ». Ce n’est qu’après que son parcours commencera à devenir plus discutable. Dans une Grèce antique aux teintes sépia, où tout est recréé digitalement, jusqu’aux abdoms des Spartiates, le film conte la célèbre bataille des Thermopyles où 300 guerriers de Sparte affrontèrent les milliers de soldats perses venus les envahir.

Ça hurle à gorge déployée, ça décapite à tout-va, ça gicle aux quatre coins de l’écran, mais l’aspect artificiel du sang et des mutilations rend le spectacle supportable. Certaines images sont vraiment frappantes et le casting composé de vrais bons comédiens, et pas uniquement de Mr Muscles, finit de séduire : Gerard Butler joue un Léonidas fier et gueulard avec une vraie conviction, Lena Headey est comme toujours très bien dans le rôle de son épouse, Dominic West est abject à souhait en politicien sans honneur (non, ce n’est pas un pléonasme !) et Michael Fassbender joue les guerriers au sourire vorace. On retrouve également l’intense Stephen McHattie et – trop brièvement – le puissant Peter Mensah.

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LENA HEADEY ET MICHAEL FASSBENDER

Un beau péplum donc, qui réinvente un genre tombé en désuétude depuis bien longtemps. Les batailles en particulier, sortes de chorégraphies irréelles alternant ralentis et accélérés, bruitages « gore » et voix déformées, s’impriment durablement dans la mémoire. Peut-être pas un chef-d’œuvre, mais « 300 » vaut largement le coup d’œil.

 

« LA NUIT DES FORAINS » (1953)

forains« LA NUIT DES FORAINS » est un des films les plus universellement connus d’Ingmar Bergman. C’est une fable tonitruante et pourtant d’une noirceur sans pareille, sur un petit cirque itinérant au bord de la faillite.

Dans ce microcosme pouilleux, pathétique, Bergman démontre simplement comment le spectacle s’inspire de la vie et vice-versa. Il brouille les cartes jusqu’à cette représentation où la vie DEVIENT le spectacle et où il faut donner son sang – littéralement – pour gagner sa misérable pitance.

Le film évoque parfois l’univers d’un Fellini nordique et il faut avoir un bon moral pour le supporter, car il traîne dans son sillage des tonnes de cafard. Sous le maquillage des clowns on ne voit que des visages vieillis, grimaçants de désespoir. À l’image du vieil ours rendu fou par la captivité qu’on aperçoit dans quelques plans poignants, le directeur du cirque Åke Grönberg passe tout le film à courir, à ramper, à supplier pour échapper à cette existence de misère. Mais à la fin, parvenu au bout de lui-même, il reprendra la route, parce qu’il ne connaît que cette vie-là. Un personnage magnifique, grandiose dans ses pitoyables excès. Face à lui, Harriet Andersson joue sa petite amie écuyère opportuniste mais pas très futée. Anders Ek est inoubliable en clown tourmenté, particulièrement dans le flash-back ouvrant le film. Et on reconnaît le fidèle Gunnar Björnstrand dans un petit rôle de directeur de théâtre plein de morgue.

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ANDERS EK, AKE GRÖNBERG ET HARRIET ANDERSSON

La photo est co-signée par Sven Nykvist, dont c’est la première collaboration avec Bergman. On sent sa griffe dans ces plans larges où des silhouettes à contrejour cheminent au loin, se découpant sur le ciel.

« LA NUIT DES FORAINS » est un hommage aux saltimbanques, à leur « grandeur et décadence », un film âpre et sans pathos, qui laisse un arrière-goût amer, d’une infinie tristesse.