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Archives de Catégorie: LES FILMS D’OSCAR ISAAC

« DRIVE » (2011)

DRIVE.jpg« DRIVE » est le premier film 100% américain de Nicolas Winding Refn et il s’inscrit dans les travées de classiques du néo-film noir des décennies précédentes comme « THE DRIVER » de Walter Hill ou « LE SOLITAIRE » de Michael Mann. Des films d’atmosphère au visuel ultra-stylisé, à la violence sèche et implacable, au héros quasiment ectoplasmique, comme mort intérieurement, évoluant dans un monde froid et dangereux.

Le personnage central, un cascadeur/mécanicien maestro des voitures de sport et trempant dans des affaires louches, semble avoir les mots « Steve McQueen » tatoués sur tout le corps. Ryan Gosling, un peu jeune et lisse, n’a évidemment pas un dixième du charisme de son aîné, mais c’est tout de même un de ses meilleurs rôles et il se montre crédible et même attachant, alors qu’il n’affiche que deux expressions pendant toute la projection. « DRIVE » malgré une certaine lenteur, inhérente au style de Refn, est une œuvre très aboutie et parfois hypnotisante, qui prend soin de dépeindre des protagonistes humains ou inhumains, mais jamais banals ou stéréotypés. Carey Mulligan est très mignonne en victime-née du milieu où elle évolue, Oscar Isaac – malgré un rôle relativement bref – est remarquable en ex-taulard poursuivi par la poisse. Ron Perlman et Albert Brooks sont étonnants en horribles gangsters qui tuent comme ils respirent. Et Bryan Cranston donne une réelle densité à son rôle de garagiste magouilleur et paternel. Rien que de très bons comédiens auxquels Refn a donné du grain à moudre et qui ancrent ce film aux allures de cauchemar éveillé, dans une réalité inhabituelle.

À voir donc, ce « DRIVE » qui ressuscite les »tough guys » taciturnes et ultra-professionnels des seventies, sans jamais reculer devant des éruptions de violence stupéfiantes. Un beau film noir.

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RYAN GOSLING, OSCAR ISAAC ET CAREY MULLIGAN

 

« AT ETERNITY’S GATE » (2018)

Coproduction anglo-franco-suisse, « AT ETERNITY’S GATE » de Julian Schnabel revient sur la période où Vincent Van Gogh vécut à Arles puis à Auvers-sur-Oise. Le cinéma a souvent exploré la vie du peintre hollandais qui arbora les visages de Kirk Douglas, Jacques Dutronc ou Tim Roth.GATE.jpg

À 64 ans, Willem Dafoe est bien trop âgé pour incarner celui qui mourut à 37 ans, mais sa prestation est tellement intense et habitée, qu’il emporte l’adhésion en quelques plans. C’est grâce à lui et à son implication qu’on parvient à supporter les partis-pris radicaux de la réalisation : caméra portée nauséeuse, plans subjectifs, montage chaotique, censés nous faire voir le monde par les yeux (fatigués) de Vincent. L’idée en vaut une autre, mais le systématisme du procédé finit par irriter voire exaspérer et appauvrit un film qui aurait gagné à plus de sobriété et moins d’effets redondants. Reste que les gros-plans du visage exalté de Dafoe sont souvent saisissants et que la fin révèle une autre version de sa mort tout à fait inédite et fascinante. Autour de l’acteur dont la seule présence crée un parallèle avec le Christ, surtout quand il en parle avec le prêtre joué par le toujours remarquable Mads Mikkelsen dans une séquence, un cast en grande partie français, et des personnages dont on peine parfois à saisir la finalité. À quoi sert le monologue de Niels Arestrup, ex-militaire tatoué, par exemple ? Pourquoi Emmanuelle Seigner – difficilement reconnaissable – a-t-elle un rôle aussi peu développé ? Tout comme Mathieu Amalric en Dr. Gachet ? Seul s’en sort l’excellent Rupert Friend en Théo effacé et calme et surtout le décidément parfait Oscar Isaac qui compose un Gauguin loin de toute caricature.

Passionnant sur le fond, décevant sur la forme, « AT ETERNITY’S GATE » se laisse regarder si on est fasciné par l’œuvre et le destin de Van Gogh. Et pour Willem Dafoe dont c’est un des plus beaux accomplissements.

 

« TRIPLE FRONTIÈRE » (2019)

Ses trois premiers films avaient été de réelles réussites, aussi attendait-on J.C. Chandor au tournant. « TRIPLE FRONTIÈRE » vient confirmer la maîtrise de l’auteur et son éclectisme, ce qui le fait directement entrer dans la « short list » des réalisateurs à suivre.TRIPLE

Sous ses dehors de film d’action façon « 12 SALOPARDS » ou « RETOUR VERS L’ENFER », « TRIPLE FRONTIÈRE » est une saisissante fable guerrière sur la rédemption et le poids du péché. La première partie (le braquage haletant par cinq anciens soldats de la forteresse d’un narcotrafiquant en pleine jungle brésilienne) aurait déjà largement suffi à remplir un scénario tout entier. Mais il ne s’agit que de la mise en train. Tout remarquable soit-elle. C’est quand les « héros » prennent la fuite avec un butin colossal, que le film démarre vraiment. Alourdis par les sacs de dollars, ralentis par cette fortune qui les handicape gravement, les protagonistes vont aller jusqu’au bout d’eux-mêmes. Les sacs symbolisent clairement leur passé de tueurs et leur périple est un chemin de croix expiatoire qui n’est pas sans rappeler le calvaire subi par Robert De Niro dans « MISSION » de Roland Joffé, qui traînait derrière lui son armure et ses armes jusqu’à épuisement complet. À l’issue de ce « voyage au bout de l’enfer », quelque chose aura changé pour les survivants, laissant l’espoir d’une possible renaissance. Heureusement, le petit « twist » final évite de sombrer dans le prêchi-prêcha. À la tête d’un cast impeccable : le désormais incontournable Oscar Isaac en leader entêté, fébrile et réglo. Il est magnifiquement secondé par Ben Affleck en ex-militaire trop avide et à la gâchette nerveuse, Pedro Pascal excellent en pilote d’hélico accro à l’adrénaline ou Charlie Hunnam.

« TRIPLE FRONTIÈRE » confirme donc l’opinion qu’on pouvait avoir de J.C. Chandor et enthousiasme du début à la fin. Un grand film humaniste déguisé en « actioner » frénétique.

 

« LA PROMESSE » (2016)

Situé à l’aube de la WW1, « LA PROMESSE » de Terry George retrace le génocide arménien de façon très lisible et frontale, sans exagérer les aspects mélodramatiques, ni se transformer en cours d’Histoire fastidieux. Le scénario, bâti autour d’un triangle amoureux, rappelle celui de « DOCTEUR JIVAGO », transposé dans cette terrible période.PROMISE

Le film doit beaucoup à Oscar Isaac, qu’on suit depuis son petit village jusqu’à Constantinople où il poursuit des études de médecine. Pris dans la tourmente de la guerre, il tombe amoureux de la très mignonne et lumineuse Charlotte Le Bon, fiancée à Christian Bale, reporter américain tête brûlée, seul à couvrir les événements tragiques du massacre du peuple d’Arménie.

Cela dure plus de deux heures, la réalisation est efficace mais effacée, à l’inverse de ce qu’aurait fait un David Lean. On s’identifie instantanément au personnage de ‘Mikael’ grâce au jeu fiévreux mais contenu du décidément toujours parfait Isaac. « LA PROMESSE » parvient à faire comprendre les rouages politiques, les forces en présence, à montrer l’horreur du massacre sans céder à la violence excessive. C’est peut-être parfois un peu trop « sage » et raisonnable. Quelques images-choc auraient sans doute généré de salutaires électrochocs. Mais des séquences comme l’éradication du village ou la fuite sur le navire français sont très fortes et bien conçues. Dans un cast sans défaut, on retiendra Shohreh Aghdashloo, émouvante en mère-courage, Angela Sarafyan en épouse malchanceuse et même Jean Reno barbu dans une fugitive apparition en capitaine magnanime.

Pas un chef-d’œuvre cinématographique, c’est certain, mais un film ample, sérieux, esthétiquement soigné sans ostentation, à voir pour s’instruire et pour la belle performance de son acteur principal.

 

« OPÉRATION FINALE » (2018)

On se souvient du téléfilm « THE MAN WHO CAPTURED EICHMANN » (1996) où Robert Duvall incarnait magnifiquement le tristement célèbre responsable de la « solution finale ». « OPÉRATION FINALE » de Chris Weitz couvre exactement les mêmes événements et, alors que tout le monde connaît le dénouement, le suspense demeure entier et les enjeux sont toujours colossaux.FINALE.png

C’est Ben Kingsley qui endosse le rôle de l’infâme nazi. Il s’y montre excellent, malgré un maquillage affreux qui le fait ressembler à un mannequin du musée Grévin. Quel dommage ! Car même grimé ainsi, il ne ressemble absolument pas à Eichmann. Pourquoi lui avoir infligé cela ? Quoi qu’il en soit, il offre un superbe face-à-face avec Oscar Isaac, remarquable – comme souvent – dans le rôle de l’agent du Mossad qui le capture et le fait parler. Antihéros indiscipliné, hanté par le passé, intuitif, il crée un personnage attachant, imprévisible qui supporte une bonne partie du film sur les épaules. Malgré ses deux heures, « OPÉRATION FINALE » n’ennuie pas une seconde et s’offre même quelques poussées d’adrénaline très réussies, comme la fin à l’aéroport de Buenos Aires. Autour des deux protagonistes, on reconnaît (à peine !) Greta Scacchi en Mme Eichmann, Peter Strauss en Juif aveugle exilé en Argentine et la toujours transparente Mélanie Laurent.

Porté par la BO d’Alexandre Desplat, très bien monté et dialogué, le téléfilm maintient l’intérêt jusqu’au bout et l’épilogue en Israël est très émouvant. À voir donc, éventuellement en double-programme avec la version de ’96.

 

« BIENVENUE À SUBURBICON » (2017)

« BIENVENUE À SUBURBICON » est un vieux scénario des frères Coen, retravaillé par George Clooney. Et cela se sent dès les premières images : d’un côté, une histoire de machination familiale foireuse à la « FARGO » et de l’autre un manifeste antiraciste basé sur des événements réels qui se sont déroulés dans une petite ville de banlieue dans les années 50, ahurissants documents d’archives à l’appui.SUBURBICON.jpg

Pas sûr que le mélange des deux se fasse toujours harmonieusement car l’humour noir des Coen est un peu asphyxié par l’indignation suscitée par le quasi-lynchage d’une famille noire récemment installée dans un pavillon et rejetée par toute une communauté haineuse. Malgré cela, « BIENVENUE À SUBURBICON » est un film extrêmement plaisant, porté par le jeune et excellent Noah Jupe, enfant-martyr d’une famille monstrueuse aux allures de braves et honnêtes banlieusards. Matt Damon – qui se mue de rôle en rôle en très bon acteur de composition – est parfait en pater familias hypocrite et sans cœur, Julianne Moore dans un double-rôle offre une version cauchemardesque de la maman idéale américaine (on n’oubliera pas de sitôt la scène « d’amour » avec raquette de ping-pong comme accessoire !), Oscar Isaac apparaît peu, mais fait un hilarant numéro d’agent d’assurances pourri jusqu’à l’os et trop sûr de lui. Tous les seconds rôles sont impeccables.

Un peu bancal par instants, tiraillé entre deux styles narratifs diamétralement opposés, « SUBURBICON » vaut largement le coup d’œil pour des scènes étonnantes de violence, même psychologique : il faut avoir vu Damon, dans la meilleure scène du film, menacer son fils de mort, en dévorant un sandwich qui… MAIS NE SPOILONS PAS ! Pour qui aime la petite musique aigrelette de « SANG POUR SANG » ou « FARGO », ce film (la réalisation la plus accomplie de Clooney, soit dit entre parenthèses) offrira des moments délectables et bien tordus. Et si on est tenté de penser que l’Amérique « c’était mieux avant », « SUBURBICON » est là pour nous rappeler que… pas du tout !

 

« MENSONGES D’ÉTAT » (2008)

BODY.jpg« MENSONGES D’ÉTAT » apparaît toujours comme le dernier vraiment bon film en date de Ridley Scott. C’est un thriller d’espionnage situé en Jordanie et décrivant avec une minutie parfois effrayante, parfois écœurante, les agissements de la CIA pour capturer un leader terroriste jusque-là indélogeable.

Parfaitement intégré sur place, l’agent Leonardo Di Caprio s’allie avec Mark Strong, chef des services secrets jordaniens et doit compter avec son propre boss, Russell Crowe, un tireur de ficelles cynique et planche-pourrie qui le manœuvre depuis les U.S.A. Sur ces bases solides, Scott sort l’artillerie lourde pour signer un film frénétique, fiévreux, profondément ancré dans son époque. Dans « MENSONGES D’ÉTAT », la fin justifie sans arrêt les moyens, la parole donnée ne signifie plus rien et les quelques vestiges d’honneur motivant encore le jeune espion finiront par voler en éclats. Sur deux heures de projection, le rythme ne faiblit jamais, le suspense est maintenu par l’instabilité permanente des protagonistes. Tout le monde manipule tout le monde, des vies sont sacrifiées, les pièges sont d’une sophistication hallucinante et coûtent cher en vies humaines.

Caprio est très bien, malgré un visage encore trop poupin qui le rend par moments à peine crédible. Mais il est exceptionnel dans sa séquence de torture. Crowe se délecte d’un rôle ambigu et antipathique, mais ils se font voler la vedette par Strong, un acteur pourtant souvent transparent, méconnaissable sous sa perruque. Celui-ci tient un rôle fascinant de maître-barbouze impassible et glacial, aux méthodes d’un autre âge. À noter la trop brève apparition d’Oscar Isaac dans la première partie.

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MARK STRONG ET LEONARDO DI CAPRIO

Le film d’espionnage – à l’image de notre monde – a bien changé depuis Hitchcock et 007. Il fait l’état des lieux d’une terre en proie au chaos dont l’équilibre ne tient qu’à un fil. Un fil très mince.

 

« ANNIHILATION » (2018)

Écrit et réalisé par Alex Garland, auteur de talent dont on avait apprécié « EX MACHINA » son premier long-métrage, « ANNIHILATION » est un pur film de science-fiction, au scénario (tiré d’un roman) ambitieux et construit de façon originale et surprenante.ANNIHILATION

Car on a, en gros, trois films en un : le premier tiers est froid, désincarné, place les enjeux (une entité mystérieuse logée dans un phare, qui se propage et menace la planète tout entière), le second est un ‘survival’ où cinq femmes armées de fusils d’assaut traversent une jungle mutante, à la recherche de l’origine du Mal et enfin le dernier est une confrontation poétique et métaphysique aux accents de ballet chorégraphique. C’est dire qu’on n’est pas en terrain connu et qu’on peut se laisser embarquer dans ce film dont la structure constamment en mouvement épouse la thématique et ouvre l’esprit.

Bien sûr, on pourra reprocher un léger abus des CGI avec ce qu’ils ont d’artificiel et d’irritant, mais l’imaginaire de l’auteur compense cette frustration. C’est truffé d’idées démentes : les plantes poussant avec des formes humanoïdes, le sanglier mutant qui a « absorbé » la terreur de sa dernière victime humaine, jusqu’à hurler avec sa voix (à faire dresser les cheveux sur la tête !), pas toutes réussies mais en tout cas insolites et parfois dérangeantes (quelques plans « gore » bien répugnants). C’est un peu lent de façon générale, mais « ANNIHILATION » parvient à faire oublier ses défauts et ses coquetteries par une authentique inspiration et par de splendides trouvailles visuelles, comme ce doppelgänger de l’héroïne à la fin, absolument fascinant.

Dans un casting homogène, tout au service du scénario, on est content de retrouver Natalie Portman en scientifique déterminée et peu souriante, Oscar Isaac en soldat au comportement ambigu et Jennifer Jason-Leigh égale à elle-même en psychologue peu aimable. Plus singulier au fond par sa forme que par son fond, « ANNIHILATION » est étonnamment crédible et cohérent. Car Garland a compris qu’un alien ne fait jamais aussi peur que lorsqu’il n’a pas de forme définitive et qu’il a le pouvoir de nous changer au lieu de nous détruire. En tout cas, un film qui reste en mémoire de façon entêtante et confirme le bien qu’on pensait de son géniteur.

 

« ROBIN DES BOIS » (2010)

ROBIN2Les films de Ridley Scott gagnent souvent à être revus et la plupart du temps en ‘director’s cut’. C’est le cas de « ROBIN DES BOIS » qui s’avère plutôt agréable dans sa version de 156 minutes, même si son principal handicap semble être le scénario de Brian Helgeland.

C’est en fait une sorte de ‘prequel’ à la légende du héros immortalisé par Errol Flynn. Le cheminement d’un simple soldat des croisades usurpant l’identité d’un noble tué dans une embuscade, pour rentrer en Angleterre. Cela évoque un peu l’histoire de Martin Guerre et la première moitié est assez captivante. Mais à force de rajouter des sous-intrigues, des personnages secondaires et des flash-backs excessivement confus, on finit par perdre le fil et par se désintéresser de l’affaire. Tout ce qui concerne le passé de Robin alourdit l’ensemble et aurait pu être coupé sans grand dommage.

Heureusement, Sir Scott manie ses caméras en maestro et son film est magnifique à regarder, ses batailles sont épiques et sa distribution est absolument somptueuse : Russell Crowe est un vrai/faux Robin convaincant, même s’il semble parfois légèrement léthargique. Cate Blanchett est une Marianne endurante et combative, Max Von Sydow est égal à lui-même en vieux chevalier aveugle, Oscar Isaac (en roi Jean) et Mark Strong sont de détestables félons dignes des classiques de cape et d’épée d’antan. On ne s’attardera pas trop sur Léa Seydoux et son éternelle expression maussade.

Ambitieuse, très longue, un tantinet boursouflée, cette énième mouture de « ROBIN DES BOIS » n’est pas un ratage, elle contient même d’intéressantes réflexion sur le mythe de ce leader révolutionnaire qui ne dit pas son nom. Mais le mieux étant souvent l’ennemi du bien, on aurait aimé plus de simplicité et de retenue.

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CATE BLANCHETT, RUSSELL CROWE, MAX VON SYDOW ET OSCAR ISAAC.

 

« X-MEN : APOCALYPSE » (2016)

Si les précédents films de la franchise, comprenant le ‘spin-off’ centré sur Wolverine commençaient à devenir lassants et confus et semblaient évoluer en circuit fermé, « X-MEN : APOCALYPSE » est une excellente surprise, d’autant plus qu’on n’en espérait pas tant.XMEN

Bryan Singer reprend les commandes et signe peut-être le film le plus lisible, le mieux scénarisé de la série. D’abord, le méchant est vraiment fascinant : incarné par un Oscar Isaac méconnaissable mais puissant, c’est un mutant venu de l’Égypte ancienne, portant le joyeux nom d’Apocalypse qu’il est fermement déterminé à honorer.

Tous les personnages sont bien développés : de Michael Fassbender en ‘Magnéto’ toujours tiraillé entre bien et mal, Jennifer Lawrence en ‘Mystique’ qui ne parvient pas à faire oublier Rebecca Rominj-Stamos, Rose Byrne en agent (humaine !) de la CIA, jusqu’à Hugh Jackman, qui apparaît dans un caméo des plus sanglants et sauvages.

Pour une fois dans un film de super-héros, le final – s’il peut se résumer à une baston géante – n’en demeure pas moins accrocheur et les enjeux demeurent présents, nullement engloutis par l’habituelle orgie de CGI. Le film reste intéressant jusqu’au bout et c’est vraiment très rare et précieux.

Bien écrit, soigneusement photographié, interprété avec un admirable sérieux, malgré le délire de l’environnement, « X-MEN : APOCALYPSE » vaut donc largement le détour et il s’avère même capable de réconcilier avec les productions Marvel dont on pensait avoir fait le tour. Des séquences comme la destruction d’Auschwitz ou le sauvetage à super-vitesse des occupants du château par Evan Peters, sont assez stupéfiantes.