« ALIEN – LE HUITIÈME PASSAGER » (1979)

« ALIEN – LE HUITIÈME PASSAGER » de Ridley Scott a 40 ans et fait partie de ces films-phares qu’on hésite à revoir de peur d’être déçu. Heureusement, on ne l’est pas, même si l’âge se fait sentir et que le rythme général semble parfois languissant.

Ce mélange de film d’horreur et de SF a marqué le cinéma par son esthétique tout d’abord, par l’extra-terrestre particulièrement effrayant qui décime l’équipage d’un vaisseau spatial et par le souci de « réalisme » de Scott, qui crée des personnages crédibles, quotidiens, parlant tous en même temps comme dans un film d’Altman. Les « héros » de « ALIEN » n’ont justement rien d’héroïque. On a un capitaine pas trop sûr de lui (Tom Skerritt), un scientifique désagréable (Ian Holm), un officier hystérique (Veronica Cartwright), deux ouvriers râleurs et pénibles (Yaphet Kotto et Harry Dean Stanton), et deux autres officiers (John Hurt et Sigourney Weaver) peut-être plus professionnels que les autres. Ayant fait monter à bord du Nostromo un alien potentiellement dangereux, l’équipe va connaître un sort peu enviable. Anecdote simple, sans surprise, mais traitement visuel somptueux et inventif (merci, Hans Giger !), photo noyée de pénombre et fulgurances de violence bien distillées. Dans son premier rôle principal, Weaver crée le personnage qui la suivra toute sa vie : loin de la tough girl qu’elle est devenue par la suite, Ripley est une « première de la classe » sérieuse et posée, qui semble taper sur les nerfs d’à peu près tout le monde. Elle émerge progressivement comme l’héroïne du film et achèvera son parcours dans un face à face avec le monstre.

« ALIEN » a vieilli, c’est normal. Des écrans d’ordinateurs à certains plans de la créature, on ressent parfois trop l’année de tournage. Mais cela reste un beau morceau de cinéma, une pierre blanche dans le genre dont l’influence se fait encore ressentir aujourd’hui.

SIGOURNEY WEAVER, JOHN HURT, TOM SKERRITT ET IAN HOLM

À noter que le film sortit dans une version de 117 minutes puis connut un « director’s cut » de 116 minutes sensiblement différent en 2003. C’est cette seconde version qui est chroniquée ici.

 

« ROB ROY » (1995)

LIAM NEESON

« ROB ROY », inspiré de faits réels, est une sorte de miracle parvenant à mêler le sérieux d’une grosse production anglaise avec les fastes romanesques du vieil Hollywood, débarrassés de la censure d’époque.

Cela se passe en Écosse en 1713. Le « highlander » Robert Roy McGregor (Liam Neeson) est roulé lors d’une transaction avec un noble (John Hurt) et devient hors-la-loi. Ses terres brûlées, ses fermiers massacrés, sa femme (Jessica Lange) violée par l’homme de main de Hurt (Tim Roth), il va tout faire pour survivre et obtenir sa vengeance. Un sujet simple, quasi-westernien. Les glorieux paysages sont d’ailleurs filmés comme les déserts de l’Ouest, avec la même majesté. Et Neeson a bien l’allure des nobles héros d’antan. Magnifiquement cadré par le généralement peu emballant Michael Caton-Jones, « ROB ROY » parvient à être enthousiasmant pendant ses 139 minutes sans jamais laisser retomber le soufflé. Il faut dire que, outre le superbe couple formé par Lange et Neeson, le trio de méchants est particulièrement exceptionnel : John Hurt, ignoble individu fielleux et hautain, Brian Cox en intendant comploteur et adipeux et surtout… surtout Tim Roth qui vole la vedette à tout le monde dans un rôle de bâtard sadique et maniéré, véritable vermine emperruquée. Haïssable et répugnant certes, mais pas aussi stéréotypé qu’il n’en a l’air et lui-même victime de ceux qu’il sert aujourd’hui. Son duel final avec Rob Roy est digne des vieux films d’Errol Flynn, la cruauté et le sang en plus.

Le scénario est un modèle du genre, trouvant l’équilibre parfait entre la reconstitution historique et le grand spectacle. « ROB ROY » est dans son genre, ce qu’on peut appeler un chef-d’œuvre, même s’il a toujours été et demeure toujours, un film étrangement sous-estimé et relativement obscur.

JOHN HURT, TIM ROTH, LIAM NEESON ET JESSICA LANGE

 

« LES IMMORTELS » (2011)

Le réalisateur indien Tarsem Singh était déjà connu pour ses délires visuels, ses excès psychédéliques sans garde-fou avec des résultats variant du pire (pratiquement tout ce qu’il a fait au cinéma) au meilleur (« THE CELL »). Alors lui donner accès aux CGI pour « LES IMMORTELS » était l’assurance d’un film visuellement… spécial. Ce qui est bien sûr le cas !

La mythologie revue par l’esthétique du jeu vidéo, c’est quelque chose de particulier. On se croirait parfois dans le « SATYRICON » de Fellini à la sauce grecque, boosté aux pixels numériques. Les choix de Singh sont déroutants : tous les extérieurs se passent sur d’immenses falaises abruptes, les Dieux de l’Olympe – eux aussi au bord de leur falaise ! –semblent échappés d’une opérette gay, les batailles sont irréelles, pourries de ralentis systématiques. Bref, on n’est guère convaincus, même si certains décors ont indéniablement de la gueule et que ce vieux Mickey Rourke fait la blague dans le rôle du très cruel roi Hypérion, pansu et balafré. Ses partenaires sont hélas, moins réjouissants : le transparent Henry Cavill qui rappelle les héros de péplums italiens des sixties, Freida Pinto en Phèdre hindoue ou le toujours pénible Stephen Dorff. On est tout de même content de revoir John Hurt en mentor rusé et Stephen McHattie en roi pas très malin.

« LES IMMORTELS » est une sorte de bande-démo de tout ce qu’on peut faire aujourd’hui en post-production, 3-D incluse. En tant que prouesse technique, cela vaut le coup d’œil, mais en tant que film, c’est d’une vacuité et d’une confusion insensées.

 

« WILD BILL » (1995)

Inspiré d’un livre et d’une pièce de théâtre, « WILD BILL » est la tentative de biopic d’une légende de l’Ouest : « Wild » Bill Hickcok. Dès le début, Walter Hill adopte des partis-pris déconcertants : cadrages bizarroïdes, alternance de couleur et de noir & blanc, photo ultra-stylisée au rendu quasi-onirique, succession de flash-backs reliés par une voix « off ».

Jeff Bridges est parfaitement casté dans le rôle-titre, celui d’un pistolero au bout du rouleau, rongé par l’alcool et la syphilis, semblant flotter constamment dans des vapeurs d’opium. De fait, il apparaît comme le fantôme de lui-même, un ectoplasme revisitant les moments forts de sa vie avant que celle-ci ne s’achève à une table de poker. Le concept en vaut un autre et a au moins le mérite de l’originalité. Mais Hill va trop loin. Le scénario manque de colonne vertébrale, tout le monde bavarde énormément et les choix esthétiques sont très discutables : ainsi, les scènes de jeunesse avec Diane Lane sont absolument hideuses avec leur rendu vidéo et sans aucune raison d’être. L’ennui s’installe peu à peu, malgré la prestation vraiment intéressante de Bridges, à la fois odieux, humain et pitoyable. Il assure dans les scènes de ‘gunfight’ très bien réglées et rend son Hickcok concret et tangible. Autour de lui, d’excellents acteurs sous-employés comme Ellen Barkin en Calamity Jane liquéfiée d’amour pour Bill, John Hurt en sidekick boiteux, Keith Carradine en Buffalo Bill clownesque, Bruce Dern en vengeur en fauteuil roulant, et un très mauvais (David Arquette) qu’on voit hélas, beaucoup trop dans le rôle de l’assassin de ‘Wild Bill’.

C’est un faux western confiné et dépourvu de toute ampleur, un film trop conceptuel pour son propre bien où on ne retrouve que par flashes le savoir-faire habituel de Walter Hill. À voir éventuellement pour Bridges donc, qui aurait mérité un meilleur écrin et pour la précision des décors de Deadwood, cloaque boueux et enfumé. Mais globalement, on en ressort dépité.

JEFF BRIDGES, DAVID ARQUETTE, ELLEN BARKIN ET KEITH CARRADINE

 

« INDIANA JONES ET LE ROYAUME DU CRÂNE DE CRISTAL » (2008)

« INDIANA JONES ET LE ROYAUME DU CRÂNE DE CRISTAL » est le 4^ème film de la franchise initiée en 1981, tournée presque vingt ans après le précédent. Steven Spielberg demeure derrière la caméra et un Harrison Ford de 64 ans retrouve son chapeau et son fouet. Si l’acteur a vieilli, le personnage lui, est en pleine forme. Dès le début, il survit à une explosion atomique en… s’enfermant dans un frigo !

Le film fut très décrié à sa sortie et pourtant, à le revoir aujourd’hui, il s’inscrit parfaitement dans les travées des trois autres. Mais il subsiste un malaise tout au long de la projection : d’abord, nul ne ressentait le besoin de revenir sur cette trilogie qui formait un bloc, ensuite si l’apport des CGI est réel (la longue course-poursuite en véhicule militaire dans la jungle est extraordinaire), ils banalisent aussi le style et l’aspect rétro de la série. D’ailleurs, Spielberg réutilise tous ses tics de mise-en-scène les plus voyants, sans avoir l’air d’y croire. De plus, il s’installe par moments une certaine mélancolie à voir des photos d’acteurs défunts (Denholm Elliott) ou retraités (Sean Connery, dont on apprend la mort récente dans le dialogue). Sans compter l’apparence de Ford, grisonnant et très souvent doublé pour les scènes d’action, qui rappelle que le temps passe pour tout le monde. Il y a heureusement des occasions de se réjouir : d’abord, on retrouve Karen Allen, 25 ans après « LES AVENTURIERS DE L’ARCHE PERDUE », qui n’a rien perdu de son beau sourire, il y a John Hurt en savant devenu fou, échappé d’un « TINTIN » et Cate Blanchett, impeccable en bras-droit de Staline maniant le sabre, sortie tout droit d’une BD de propagande anti-rouges. Shia LeBeouf ne fait pas le poids en rejeton d’Indiana habillé comme Brando dans « L’ÉQUIPÉE SAUVAGE », manquant de charisme et de malice. Dommage… La magie qui opéra entre Connery et Ford est ici totalement inexistante.

Pas aussi honteux et navrant qu’on a bien voulu le dire à sa sortie, ce 4^ème film fait passer d’excellents moments, s’embourbe parfois dans sa propre surenchère et ses clins d’œil autoréférentiels. Car au fond, l’homme au fouet n’est-il pas confronté à un autre E.T. qui ne désire qu’une chose, rentrer à la maison ? À voir pour une demi-douzaine de scènes qui valent vraiment le déplacement, mais l’aventure n’était pas nécessaire.

HARRISON FORD, CATE BLANCHETT, SHIA LaBEOUF, JOHN HURT ET KAREN ALLEN

 

JOHN HURT : R.I.P.

John Hurt, comédien de composition anglais, était une présence si régulière et familière depuis les années 60, il avait touché à tellement de genres, tourné avec tant de grands réalisateurs (Richard Fleischer, David Lynch, Ridley Scott, Sam Peckinpah, Michael Cimino, etc.) plus de 200 films et téléfilms, qu’on est stupéfait d’apprendre subitement qu’il était mortel.

JOHN HURT (1940-2017)

Avec son physique passe-partout et souffreteux, son visage marqué avant l’âge et volontiers tourmenté, il a créé toutes sortes de personnages inoubliables. Caligula dans la minisérie « I, CLAUDIUS », le junkie emprisonné dans « MIDNIGHT EXPRESS », l’astronaute malchanceux dans « ALIEN », le « freak » pathétique de « ELEPHANT MAN » où il était totalement méconnaissable. Il est extraordinaire en fils de famille dévoyé dans « LA PORTE DU PARADIS », en tueur-à-gages glacial dans « THE HIT ». Il n’arrête pas de tourner, souvent aux U.S.A., apportant du prestige à des superproductions comme « HARRY POTTER », « V POUR VENDETTA », « HELLBOY » ou le dernier « INDIANA JONES ». Il avait aussi prêté sa voix ‘off’ à plusieurs films.

Acteur discret, littéralement fondu dans ses rôles, il peut se vanter de n’avoir jamais été mauvais et son nom à un générique de film réjouissait systématiquement le cinéphile. On le savait malade depuis plusieurs années, mais il n’avait jamais ralenti son rythme de travail. Il va nous manquer…

 

« LA PORTE DES SECRETS » (2005)

« LA PORTE DES SECRETS » est un suspense mâtiné de « ghost story » baignant dans une ambiance décatie de vieux Sud, entre New Orleans et Savannah, dans des décors de bayou comme figés au 19^ème siècle.

Le choix des extérieurs, la photo en clair-obscur, l’intensité de la direction d’acteurs hissent le film au-dessus du tout-venant du genre et créent une atmosphère saisissante de superstition « Hoo Doo ». La peur naît des croyances ancestrales, des non-dits, de ce qu’on a peur de voir apparaître, et non pas d’effets faciles vus et revus cent fois. C’est la grande qualité du scénario, qui suit Kate Hudson, jeune infirmière compatissante engagée par un vieux couple (Gena Rowlands et John Hurt) pour s’occuper du mari victime d’un AVC. Mais elle découvre peu à peu des secrets enfouis, un passé de violence et se met à croire à la magie noire.

Classique dans son déroulement, « LA PORTE DES SECRETS » nous gratifie d’un « twist » final étonnant et réjouissant, balayant toutes les fausses-pistes dans lesquelles on a foncé tête baissée pendant tout ce qui a précédé. C’est le plus grand plaisir de ce film soigné et certainement sous-évalué.

Mme Rowlands est exceptionnelle dans ce personnage de « grande dame » bourrue et de plus en plus terrifiante, Hurt apporte tout son (considérable) métier à un rôle quasi-muet où toutes les émotions – et Dieu sait qu’elles sont fortes ! – passent à travers le regard.

KATE HUDSON, GENA ROWLANDS ET JOHN HURT

Sans être un grand film, « LA PORTE DES SECRETS » contient suffisamment de morceaux de bravoure horrifiques pour immerger complètement dans son univers poisseux et finir par nous faire croire – à l’instar de l’héroïne – à la possession et aux fantômes. Le film doit beaucoup à la prestation hyper-tendue et subtile de Kate Hudson qui ne fait probablement pas la carrière qu’elle mérite.

 

« OSTERMAN WEEK-END » (1983)

RUTGER HAUER

Un roman de Ludlum, une mise-en-scène de Peckinpah, une BO de Schifrin et un casting à faire saliver n’importe quel cinéphile normalement constitué. Sur le papier, « OSTERMAN WEEK-END » a tout pour taper dans le mille. Et qu’il soit en plus l’ultime film réalisé par ‘Bloody Sam’, incite à l’indulgence par avance.

Mais il s’avère un peu dur de s’attacher à ce film paranoïaque et inutilement tortueux, qui développe une intrigue absconse, des personnages tellement troubles qu’on finit par s’en désintéresser complètement, pour aboutir à un dénouement décevant en queue-de-poisson. De la Guerre Froide au complot d’un politicien va-t-en-guerre en passant par l’ingérence du KGB, on n’aboutit en fin de compte qu’à une bête histoire de vengeance.

Bien sûr, tout n’est pas à jeter dans « OSTERMAN WEEK-END ». Sam Peckinpah était au bout de son rouleau, mais pas encore tout à fait mort. Il gère bien l’aspect prémonitoire d’une Amérique assujettie aux médias et aux images trafiquées et démultipliées, on reconnaît sa patte dans quelques (rares) scènes d’action et la fausse tête de chien dans le frigo est un évident clin d’œil au chat dans le placard des « CHIENS DE PAILLE ». Reste que la photo est tristounette, que le montage abuse de fondus-enchaînés redondants et que les acteurs semblent tous très mal à l’aise.

Rutger Hauer est un curieux choix pour jouer ce journaliste politique ‘All American’ (même si le dialogue tente de justifier son accent étranger de façon maladroite) et patriote, John Hurt virevolte dans un rôle ambigu de tireur de ficelles à moitié fou, Meg Foster a une belle présence physique dans un personnage sous-exploité. Et Burt Lancaster retrouve son emploi-fétiche de facho intelligent et dangereux qui avait déjà fait ses preuves dans « 7 JOURS EN MAI » et « EXECUTIVE ACTION » : il arrive encore à être inquiétant.

RUTGER HAUER, JOHN HURT ET BURT LANCASTER

À voir donc, pour le complétiste peckinpien (celui qui trouve par exemple que « TUEUR D’ÉLITE » est remarquable et que « CONVOI » a des qualités !), qui cherchera envers et contre tout des traces, même infimes, du génie du vieux Sam.

 

« OWNING MAHOWNY » (2003)

PHILIP SEYMOUR HOFFMAN

Inspiré de faits réels survenus au Canada, « OWNING MAHOWNY » est un curieux film glacial et hypnotisant, qui fait pénétrer dans l’âme tourmentée et obsessionnelle d’un joueur compulsif pris dans un engrenage infernal qu’il a lui-même enfanté.

Incapable de résister une seconde à son addiction, Mahowny finit par escroquer la banque où il travaille de plus de 10 millions de dollars qu’il perd dans un casino d’Atlantic City. Le rythme est lent, lancinant même, l’ambiance désincarnée, mais le film est littéralement porté à bout de bras par Philip Seymour Hoffman d’une intériorité totale, qui permet de s’identifier à un personnage opaque et jusqu’au-boutiste, prêt à tout sacrifier à son obsession suicidaire. Les longues scènes où on le voit gagner des millions de dollars aux tables de jeu, puis les reperdre aussitôt dans un inexorable mouvement de balancier, sont des modèles du genre.

S’il occupe 90% de l’espace avec cette présence qui n’appartient qu’à lui et qui donne la sensation parfois dérangeante qu’on lit ses pensées les plus intimes comme un livre ouvert, Hoffman est très bien entouré par John Hurt, inhabituel en directeur de casino rapace et flamboyant et par Minnie Driver, jouant avec finesse sa petite amie stoïque, malgré une inexcusable perruque qui l’handicape considérablement. Maury Chaykin fait un grand numéro en ‘bookie’ ringard mais inquiétant.

JOHN HURT, PHILIP SEYMOUR HOFFMAN ET MINNIE DRIVER

« OWNING MAHOWNY » (comme il est dit dans le dialogue, ‘Mahowny’ est un anagramme de ‘How many’) est une œuvre singulière, pas facile à pénétrer et à aimer par son extrême froideur et par le peu de sympathie que génère le rôle-titre, mais il est sauvé par Hoffman, dont la maîtrise et l’intelligence font toujours des étincelles.

 

« LE CRI DU SORCIER » (1978)

ALAN BATES

Dans une ambiance glacée de campagne anglaise sous la pluie, « LE CRI DU SORCIER » est une très étrange fable absconse sur la folie et la crédulité.

Alan Bates est un curieux et inquiétant étranger qui s’invite dans la demeure d’un couple (John Hurt et Susannah York) vivant dans un petit village. Il jette un sort sur l’épouse dont il devient l’amant et démontre ses pouvoirs au mari en poussant devant lui son dévastateur « cri-qui-tue » enseigné par un sorcier aborigène en Australie. Cette histoire déjà baroque en soi, est racontée en flash-back par Bates lui-même pendant un match de cricket, alors qu’il est présentement interné dans un hôpital psychiatrique.

Dire qu’on comprend totalement de quoi il retourne serait présomptueux. On ressent des obsessions récurrentes, une sensualité sous-jacente, une fascination pour les sons les plus inconfortables qui culmine dans cette scène étonnante dans les dunes, où Bates lâche son « terror shout » qui décime un troupeau de moutons, leur berger et les mouettes volant alentours.

Mais l’essentiel du film tient dans le triangle amoureux formé par un Alan Bates mystérieux et malsain à souhait, sorte de gourou ombrageux, oiseau de mauvais augure, et un juvénile John Hurt et une très sensuelle Susannah York, qui tombent sous son emprise. Les acteurs font ce qu’ils peuvent pour donner chair et épaisseur à leurs personnages, mais à l’impossible nul n’est tenu, et ceux-ci sont et demeurent de simples silhouettes fantomatiques, au service d’un scénario hermétique dont l’ambiance évoque parfois la série « LE PRISONNIER ».

Pour autant, « LE CRI DU SORCIER » ne manque pas d’intérêt et pour peu qu’on soit dans le bon état de réceptivité peut tout à fait fasciner. C’est du pur cinéma d’auteur, esthétisant et d’un sérieux inébranlable, mais dans lequel on peut se laisser entraîner sans problème.

ALAN BATES, SUSANNAH YORK ET JOHN HURT