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Archives de Catégorie: LES FILMS POLITIQUES

« SCORPIO » (1973)

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BURT LANCASTER

Sur une thématique proche de celle du « FLINGUEUR » sorti un an plus tôt (le disciple d’un tueur payé pour éliminer son mentor), mais transposé dans l’univers de l’espionnage et de la guerre froide, Michael Winner signe avec « SCORPIO » un bon thriller froid et sans fioriture, hormis celles, évidemment, de sa réalisation à effets et truffée de coups de zoom permanents. Une « signature » qui empêche ses films d’aussi bien passer l’épreuve des ans, que ceux d’un John Frankenheimer, par exemple qui se patinent au lieu de se démoder.SCORPIO

Winner retrouve Burt Lancaster (« L’HOMME DE LA LOI ») et le réunit avec deux de ses anciens partenaires : Paul Scofield (« LE TRAIN ») et Alain Delon (« LE GUÉPARD ») pour une histoire classique d’espion aspirant à la retraite, mais soupçonné de double-jeu par ses employeurs de la CIA qui veulent l’éliminer. Son ex-coéquipier à ses trousses, ‘Cross’ va chercher de l’aide chez un espion russe auquel le lie une camaraderie complexe mais réelle depuis trente ans. Le scénario, moins simpliste qu’il n’en a l’air, brouille constamment les pistes. Delon, le tueur français joli cœur au regard d’acier, rechigne à tuer son vieux maître, tant qu’il n’aura pas les preuves qu’il a vraiment changé de camp. En revanche, « l’ancien » n’est peut-être pas aussi franc du collier qu’il ne paraît. D’ailleurs, qui l’est dans cet univers amoral et tordu ? L’ultime face-à-face entre les deux hommes dans un parking, sera pétri d’ambiguïté et de questions à jamais sans réponses. Malgré sa longueur, des séquences ratées (toutes celles entre Delon et Gayle Hunicutt, aussi mal écrites que filmées), « SCORPIO » se laisse regarder avec un plaisir nostalgique. Il vaut d’être vu pour la longue fuite de l’espion traqué entre Paris, Washington et Vienne, pour la présence toujours formidable de Lancaster qu’on voit, à 60 ans, accomplir d’étonnantes cascades et acrobaties, et pour de bons seconds rôles comme Joanne Linville jouant sa femme ou J.D. Cannon, John Colicos. Delon fait une prestation routinière et sans relief, ne comptant visiblement que sur sa considérable présence physique.

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BURT LANCASTER, JAMES B. SIKKING, ALAIN DELON ET PAUL SCOFIELD

« SCORPIO » manque un peu d’âme et de profondeur, mais le dialogue est souvent inspiré (la soûlerie de Scofield et Lancaster) et il est plaisant de retrouver, dix ans après le chef-d’œuvre de Visconti, le guépard et Tancrède sur un même écran.

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« THE FOREIGNER » (2017)

FOREIGNERAu moment du tournage de « THE FOREIGNER », le réalisateur Martin Campbell avait 74 ans, Pierce Brosnan 64 et Jackie Chan 63. Mais il ne faut surtout pas se fier à cela, car les vétérans ont entre les mains un scénario correspondant parfaitement à ce qu’ils savent faire de mieux : un film d’action teinté de politique et de « vigilante movie », infiniment plus charpenté et efficace que les récents thrillers pourris de CGI.

Le film, inspiré d’un roman, suit le personnage d’un émigré chinois installé à Londres, dont la fille meurt dans un attentat revendiqué par l’IRA. Sous ses airs inoffensifs, le brave homme s’avère être obstiné et même extrêmement dangereux et il se lance sur la trace des meurtriers, le monde entier contre lui. C’est basique, mais très bien ficelé, en mouvement permanent et les séquences d’action, parcimonieusement distillées, sont superbement réglées, ponctuant le film et évitant le moindre ennui. Chétif d’apparence, le visage ridé et triste, Chan est étonnamment crédible dans un rôle totalement dramatique. Sa métamorphose du papa gâteau au Rambo asiatique senior est crédible et, évidemment, très jouissive. Face à lui, dans un quasi-contremploi, Pierce Brosnan joue un ministre d’origines irlandaises, un faux-jeton de haut-vol, dont la belle gueule dissimule mal l’ignominie. Quelques beaux face-à-face entre ces deux comédiens si différents, valent à eux seuls qu’on voie le film. Une excellente surprise donc, que ce « FOREIGNER » non dépourvu d’émotion, qui permet de constater que Jackie Chan effectue encore lui-même une bonne partie de ses cascades et que Pierce Brosnan vieillit de mieux en mieux. Du très bon polar mâtiné de film d’espionnage, qu’on suit sans fléchir pendant deux heures.

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JACKIE CHAN ET PIERCE BROSNAN

 

« A.C.A.B. – ALL COPS ARE BASTARDS » (2012)

ACAB« A.C.A.B. – ALL COPS ARE BASTARDS » est le premier long-métrage de l’excellent Stafano Sollima, qui avait fait ses armes à la télévision. C’est l’histoire d’une escouade de la police romaine anti-émeutes, haïe de tous, et de ses membres, des flics soudés, perturbés, incapables de gérer leur vie quotidienne et familiale et succombant parfois à la tentation de la violence aveugle et de la vengeance personnelle.

Admirablement réalisé, monté et photographié, « A.C.A.B. » parvient, au-delà de l’anecdote, à brosser un portrait saisissant de l’Italie contemporaine, avec la montée des extrêmes. C’est surtout une tentative de comprendre comment le pays en est arrivé là, et la facilité avec laquelle la haine ordinaire, le racisme prennent le dessus. Comme dans les grands films politiques des années 70, on est sans cesse tiraillé entre l’indignation, le dégoût et le découragement. Impossible de prendre parti pour quiconque : tout le monde a raison et tout le monde a tort. Et c’est cette ambivalence, cette balance permanente des points-de-vue qui en font un grand film, puissant, honnête et inclassable. La distribution est largement au niveau du scénario : Pierfrancesco Favino est exceptionnel en vétéran contenant sa rage et sa frustration jusqu’au point de rupture, Filippo Nigro remarquable en flic perdant peu à peu le contrôle de lui-même, Domenico Diele campe le personnage le plus complexe, le plus humain, qui refuse de céder à ses démons et ira jusqu’à la trahison. C’est vraiment un film à prendre à bras-le-corps, sans a priori, sans parti-pris, en sachant qu’il ébranlera certaines certitudes et fera très probablement considérer les affrontements entre manifestants et forces de l’ordre très différemment à l’avenir. La dernière séquence – à couper le souffle tant elle est tendue – semble sortie tout droit d’un film de John Carpenter.

Sans faire de procès d’intention, on se demande ce que donnerait un film français prenant pour héros une équipe de CRS pendant la crise des Gilets Jaunes, par exemple…

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PIERFRANCESCO FAVINO, MARCO GIALLINI, FILIPPO NIGRO ET DOMENICO DIELE

 

« ROB ROY » (1995)

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LIAM NEESON

« ROB ROY », inspiré de faits réels, est une sorte de miracle parvenant à mêler le sérieux d’une grosse production anglaise avec les fastes romanesques du vieil Hollywood, débarrassés de la censure d’époque.ROB.jpg

Cela se passe en Écosse en 1713. Le « highlander » Robert Roy McGregor (Liam Neeson) est roulé lors d’une transaction avec un noble (John Hurt) et devient hors-la-loi. Ses terres brûlées, ses fermiers massacrés, sa femme (Jessica Lange) violée par l’homme de main de Hurt (Tim Roth), il va tout faire pour survivre et obtenir sa vengeance. Un sujet simple, quasi-westernien. Les glorieux paysages sont d’ailleurs filmés comme les déserts de l’Ouest, avec la même majesté. Et Neeson a bien l’allure des nobles héros d’antan. Magnifiquement cadré par le généralement peu emballant Michael Caton-Jones, « ROB ROY » parvient à être enthousiasmant pendant ses 139 minutes sans jamais laisser retomber le soufflé. Il faut dire que, outre le superbe couple formé par Lange et Neeson, le trio de méchants est particulièrement exceptionnel : John Hurt, ignoble individu fielleux et hautain, Brian Cox en intendant comploteur et adipeux et surtout… surtout Tim Roth qui vole la vedette à tout le monde dans un rôle de bâtard sadique et maniéré, véritable vermine emperruquée. Haïssable et répugnant certes, mais pas aussi stéréotype qu’il n’en a l’air et lui-même victime de ceux qu’il sert aujourd’hui. Son duel final avec Rob Roy est digne des vieux films d’Errol Flynn, la cruauté et le sang en plus.

Le scénario est un modèle du genre, trouvant l’équilibre parfait entre la reconstitution historique et le grand spectacle. « ROB ROY » est dans son genre, ce qu’on peut appeler un chef-d’œuvre, même s’il a toujours été et demeure toujours, un film étrangement sous-estimé et relativement obscur.

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JOHN HURT, TIM ROTH, LIAM NEESON ET JESSICA LANGE

 

« HAVANA » (1990)

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ALAN ARKIN ET ROBERT REDFORD

« HAVANA » est le 7ème et dernier film que Sydney Pollack tourna avec Robert Redford en vedette. Et, c’est triste à dire, cela ne fut pas leur chant du cygne. C’est – pour faire court – une espèce de remake de « CASABLANCA » relocalisé à Cuba en 1959, lors de la chute du régime de Batista. On se croirait par moments dans « LE PARRAIN – DEUXIÈME PARTIE » !havana

La Havane est joliment reconstituée à Saint-Domingue, la photo d’Owen Roizman est glorieuse et on devine par flashes, hélas trop brefs, quel grand film romantique cela aurait pu et dû être. Mais « HAVANA » est plombé par son scénario infiniment trop délayé (144 minutes !) qui décourage le plus endurant, par un dialogue ridiculement ampoulé et fleuri dans les face-à-face entre Redford et Lena Olin, au point qu’il en devient fréquemment abscons. Comme les deux comédiens sont des « poissons froids », on ne peut pas dire qu’ils créent une quelconque alchimie ensemble. Elle a beau être suédoise, comme Ingrid Bergman dans le film de Michael Curtiz, c’est bien le seul point commun qu’elle ait avec elle. À 54 ans, Redford possède toujours sa silhouette de gravure de mode, mais présente un visage marqué aux rides profondes qui sied bien à ce personnage de gambler complètement artificiel, qu’il joue avec un détachement un peu las. Le cast est intéressant : Alan Arkin en directeur de casino cynique, Tomás Milian en tortionnaire rigolard, Mark Rydell excellent en Meyer Lansky dans une séquence. Mais ces gens de talent n’ont pas grand-chose à jouer et ne font que remplir le vide.

On regrette de ne pas aimer « HAVANA », tentative de recréer la magie hollywoodienne de l’âge d’or, mais malgré des paysages somptueusement filmés, de sublimes contrejours et des décors magnifiques, cela demeure complètement « bidon » et dépourvu d’âme. On aurait préféré que le tandem Pollack/Redford se sépare sur une œuvre digne de leur passé commun.

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ROBERT REDFORD ET LENA OLIN

 

« LE PRÊTE-NOM » (1976)

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WOODY ALLEN

Tourné juste avant que Woody Allen n’entre dans la cour des grands réalisateurs avec « ANNIE HALL », « LE PRÊTE-NOM » de Martin Ritt lui donne sans conteste l’occasion de faire sa plus belle prestation en tant que comédien uniquement.front

Conçu et interprété par des rescapés du maccarthisme (Ritt, le scénariste Walter Bernstein, les acteurs Herschel Bernardi et Zero Mostel), c’est une œuvre engagée et intelligemment écrite, qui relate une des plus sombres périodes de l’Histoire américaine, via un personnage de pauvre type qui accepte de servir de façade à plusieurs auteurs blacklistés lors de la chasse aux sorcières, dont il signe les scénarios contre un joli pourcentage. Le film évite le didactisme et le prêchi-prêcha en se focalisant sur ce ‘Howard Prince’ et sa très progressive prise de conscience qui l’amène à devenir un citoyen courageux face à l’obscurantisme. C’est sobrement réalisé, joliment photographié par Michael Chapman, mais les choses sont dites telles qu’elles doivent l’être et on ressort du visionnage avec un arrière-goût assez désagréable. Autour d’un Woody pareil à lui-même, mais fermement dirigé et apportant à son jeu des nuances jusque-là inédites, de bons acteurs comme Michael Murphy jouant son ami d’enfance, la belle Andrea Marcovicci et surtout Zero Mostel insupportable et bouleversant en vieux cabotin prêt à n’importe quoi pour retrouver du travail. Ses face-à-face avec Allen sont magnifiques et sa dernière apparition est le plus beau moment du film.

« LE PRÊTE-NOM » est un film puissant, qui respire le vécu et le désir irrépressible de régler de vieux comptes avec l’Amérique. Une œuvre parfaitement aboutie qui parvient à indigner, à faire sourire, à faire pleurer, sans jamais rien édulcorer. Une des grandes réussites de Martin Ritt.

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WOODY ALLEN, ZERO MOSTEL ET ANDREA MARCOVICCI

 

« BANANAS » (1971)

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WOODY ALLEN

« BANANAS » est le second long-métrage réalisé par Woody Allen. On y retrouve son attirance pour le slapstick (son combat permanent contre les machines, sa maladresse maladive) et un goût de l’absurde bien canalisé.bananas

Le scénario suit sa propre logique et narre le destin d’un new-yorkais qui, après une déception amoureuse s’en va pour l’île (imaginaire) sud-américaine de San Marcos, se fait enrôler parmi les rebelles en lutte contre la dictature, jusqu’à devenir lui-même le président après avoir éliminé tous ses ennemis. De retour aux U.S.A., il est jugé, relâché et retrouve sa petite amie (Louise Lasser). Oui, c’est n’importe quoi, mais sur cette trame très relâchée, Allen s’amuse à satiriser l’American Way of Life, la télévision de plus en plus envahissante (et en profite pour anticiper de plusieurs décennies sur la téléréalité) et à peu près tout le reste, du MLF à la technologie. Il y a à prendre et à jeter, bien sûr. C’est filmé avec les pieds, monté à la tronçonneuse, la BO de Marvin Hamlisch est souvent crispante, mais « BANANAS » se laisse regarder, parce qu’on y trouve en cherchant bien des prémices de « ANNIE HALL », des plans de New York annonçant « MANHATTAN » et parce qu’à 36 ans, l’acteur Woody Allen maîtrise déjà parfaitement sa personnalité de cinéma et que quelques plans parviennent à arracher des sourires. Peut-être pas des rires, mais des sourires ! Dans un cast sans grand éclat, Louise Lasser incarne bien la femme des années 70 filmée avec cruauté mais aussi tendresse. Parmi de nombreuses silhouettes, on reconnaît un tout jeune Sylvester Stallone en voyou qui agresse une vieille dame dans le métro. Étonnante rencontre qui surprend et ravit.

À voir, surtout pour le complétiste de l’œuvre allénienne donc, car « BANANAS » n’est tout de même que l’embryon d’un style en devenir.

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ANTHONY CASO, SYLVESTER STALLONE, WOODY ALLEN ET LOUISE LASSER